In den 1840er Jahren betrieb ein Verleger namens Edward Lloyd eine Operation am Salisbury Square in London, die jede moderne Content-Farm vor Neid erblassen lassen würde. Seine Autoren produzierten Penny-Fortsetzungshefte in industriellem Tempo: Dickens-Plagiate mit Titeln wie Oliver Twiss und Nickelas Nicklebery, Piratengeschichten, Räuberromane und Gothic-Horrorgeschichten, verkauft für einen einzigen Penny pro achtseitiger Ausgabe. Die Plagiate verkauften sich bis zu 50.000 Mal pro Woche und übertrafen damit wahrscheinlich Dickens’ Originale. Als Dickens’ Verleger Lloyd wegen seines Pickwick-Plagiats auf “betrügerische Nachahmung” verklagten, verloren sie.
Lloyds Penny-Profite finanzierten schließlich etwas Respektableres: Lloyd’s Weekly Newspaper, die 1896 als erste britische Zeitung eine Auflage von über einer Million Exemplaren erreichte. Aber die billige Fiktion, die sein Imperium aufbaute, schuf etwas Dauerhafteres als jede Zeitung. Sie schuf das moderne Horror-Genre.
Die Bezeichnung für diese Publikationen wandelte sich über die Jahrzehnte. In den 1830er und 1840er Jahren, als das Publikum erwachsen und aus der Arbeiterklasse stammte, nannte man sie “Penny Bloods.” In den 1860er Jahren, als die Leserschaft jünger wurde, wurden sie zu “Penny Dreadfuls.” Das Establishment hasste sie. Der Journalist Francis Hitchman nannte sie “die Literatur des Gesindels.” Gerichte machten sie für Jugendkriminalität verantwortlich. Ein dreizehnjähriger Junge in Plaistow wurde als “ein Mordmonomane unter dem Einfluss verderblicher Literatur” bezeichnet, nachdem die Polizei über hundert Penny Dreadfuls in seinem Haus gefunden hatte. Klingt bekannt? Dasselbe Argument wurde für Comics in den 1950er Jahren, Videospiele in den 1990er Jahren und soziale Medien heute recycelt.
Was die moralischen Wächter übersahen, oder übersehen wollten: Diese anrüchigen kleinen Publikationen erfanden einige der beständigsten Figuren der Horrorfiktion.
Die Monster, die aus der Gosse kamen
Der wichtigste Penny Dreadful, der je veröffentlicht wurde, war Varney the Vampire; or, the Feast of Blood, der von 1845 bis 1847 in 109 wöchentlichen Fortsetzungen unter Edward Lloyds Verlag erschien. Die Buchausgabe umfasst 876 zweispaltige Seiten, 232 Kapitel, ungefähr 667.000 Wörter. Die Autorschaft ist zwischen James Malcolm Rymer und Thomas Peckett Prest umstritten (Lloyds Politik war es, Autoren anonym zu halten), aber sein Einfluss ist unbestritten.
Varney erfand den Vampir, wie wir ihn kennen. Vor dieser Serie waren Vampire in der Fiktion vage, geisterhafte Erscheinungen. Varney gab dem Vampir Fangzähne (“with a plunge he seizes her neck in his fang-like teeth”), das markante Doppel-Punktionsmuster am Hals, hypnotische Macht über Opfer, übermenschliche Stärke und die Fähigkeit, durch Mondlicht geheilt zu werden. Am bedeutsamsten: Varney ist ein widerwilliges Monster, jemand, der seine eigene Natur verabscheut, ihr aber nicht entkommen kann. Dieser Archetyp, der sympathische Vampir, der unter seinem eigenen Fluch leidet, zieht sich in direkter Linie von diesem Penny-Heft zu Anne Rices Louis, Joss Whedons Angel und jedem grüblerischen Blutsauger seither.
Bram Stoker veröffentlichte Dracula im Jahr 1897, fünfzig Jahre später. Die Tropen, die er verwendete: der aristokratische Raubtier, der Halsbiss, die hypnotische Verführung, die nächtliche Gestalt, die unter Menschen wandelt. Sie alle waren bereits in einer Publikation etabliert, die einen Penny kostete und auf billigem Holzschliffpapier gedruckt war.
Dann gab es The String of Pearls, veröffentlicht in Lloyds People’s Periodical in 18 wöchentlichen Teilen von November 1846 bis März 1847. Darin wurde Sweeney Todd eingeführt, der Teufelsbarbier der Fleet Street. Ein Dramatiker namens George Dibdin Pitt adaptierte die Geschichte für die Bühne, bevor die Serie überhaupt zu Ende gelaufen war. Pitt fügte den mechanischen Friseurstuhl hinzu, der die Opfer in den Keller kippte. Von dort reiste die Figur durch 130 Jahre Theateradaptionen, bis Christopher Bond Todd 1973 eine Vorgeschichte und ein Rachemotiv gab, Stephen Sondheim daraus 1979 ein Tony-prämiertes Musical machte und Tim Burton es 2007 mit Johnny Depp verfilmte.
Und da war Spring-Heeled Jack, eine Figur aus echten Stadtlegenden (Frauen in Kensington und Hammersmith berichteten 1837-1838 von Angriffen durch eine verhüllte Kreatur mit Klauen und Augen wie “rote Feuerbälle”), die von Penny-Dreadful-Autoren aufgegriffen und zu einem kostümierten Rächer serialisiert wurde. In frühen Serien noch ein Bösewicht, entwickelte er sich bis 1900 zu etwas wie einem Proto-Superhelden: einer Figur, die über Dächer springt und die Bösen bestraft.
Das waren keine literarischen Übungen. Es war Massenunterhaltung, in hohem Tempo produziert für ein Arbeiterpublikum, das das Verlagsestablishment keines Blickes würdigte. In den 1860er Jahren verkauften sich über eine Million Jungenmagazine pro Woche. Und die Figuren, die auf diesen billigen Seiten geboren wurden, der sympathische Vampir, der Serienmörder von nebenan, der kostümierte Rächer, überlebten jeden respektablen Roman, der im selben Jahrzehnt erschien.
Was John Logan erschuf
2014 startete Showtime eine Fernsehserie namens Penny Dreadful, die den Namen und den Geist jener viktorianischen Publikationen aufgriff und in etwas verwandelte, das niemand erwartet hatte: die beste gotische Horror-Serie aller Zeiten.
Der Schöpfer war John Logan, ein Oscar-nominierter Drehbuchautor (Gladiator, Aviator, Hugo, Skyfall), dessen Theaterstück Red über den Maler Mark Rothko 2010 sechs Tony Awards gewann, darunter Bestes Stück. Logan schrieb 24 der 27 Episoden der Serie über drei Staffeln, wobei Andrew Hinderaker und Krysty Wilson-Cairns in Staffel 3 Drehbücher beisteuerten. Dieses Maß an Einzelautor-Kontrolle ist im Fernsehen fast beispiellos. Es spiegelt den Instinkt eines Dramatikers wider: eine Stimme, die fast jedes Wort kontrolliert.
Logan hat gesagt, die Serie sei aus der erneuten Lektüre von Mary Shelleys Frankenstein und der persönlichen Identifikation mit dem Monster entstanden. Als schwuler Mann, sagte er, habe er “gewusst, wie es sich anfühlt, sozial nicht akzeptabel zu sein.” Diese Identifikation prägt die gesamte Serie. Jede Figur in Penny Dreadful ist auf die eine oder andere Weise eine Kreatur, die nicht hineinpasst: zu seltsam, zu gefährlich, zu zerbrochen für die Welt, die sie bewohnt.
Die Produktion wurde in den Ardmore Studios in County Wicklow, Irland, gedreht, mit Drehorten in Dublin (Dublin Castle, King’s Inns, Kilruddery House, Powerscourt Estate) als Doppelgänger des viktorianischen London. Irland wurde teilweise wegen der Section-481-Steuervorteile gewählt und teilweise, weil J.A. Bayona, der die ersten beiden Episoden inszenierte, die besondere Qualität des irischen Lichts wollte. Sam Mendes fungierte als Executive Producer, wurde aber für die Regie von Spectre abgezogen. Production Designer Jonathan McKinstry gab über eine Million Dollar bei irischen Auktionshäusern für zeitgenössische Requisiten aus. Kostümdesignerin Gabriella Pescucci, Oscar-Gewinnerin für Zeit der Unschuld, ließ jedes Kostüm vierfach anfertigen, damit Blutszenen ohne Verzögerung wiederholt werden konnten.
Abel Korzeniowski komponierte die Filmmusik, die einen BAFTA Television Craft Award gewann. Diese Musik verdient besondere Aufmerksamkeit. Sie ist eines der schönsten Stücke Fernsehmusik der letzten Jahre: schwelgend, romantisch, voller Sehnsucht. Sie klingt so, wie sich das Innere eines viktorianischen Séance-Raums anfühlt.
Ein gemeinsames Universum der Monster
Die Prämisse der Serie ist trügerisch einfach: Was wäre, wenn die Figuren aus den großen viktorianischen Gothic-Romanen alle im selben London, zur selben Zeit existiert hätten?
So bekommt man Victor Frankenstein (Harry Treadaway), neu gedacht als junger, einsamer, opiumgetränkter Arzt, der im Laufe der Serie nicht eine, sondern drei Kreaturen erschafft. Seine erste Schöpfung, die Kreatur (Rory Kinnear), ist die geheime Waffe der Serie. Anders als die torkelnde, stumme Bestie aus dem Boris-Karloff-Film von 1931 ist Kinnears Kreatur eloquent, belesen und verheerend wortgewandt, genau so, wie Mary Shelley sie 1818 schrieb. Die Kreatur im Roman bildet sich selbst, indem sie Miltons Paradise Lost, Plutarchs Lebensbeschreibungen und Goethes Die Leiden des jungen Werther liest. Sie spricht fließend Englisch. Sie ist philosophisch, einsam und wütend auf ihren Schöpfer, der sie verlassen hat. Die Serie bewahrt all das. Den of Geek nannte es “die werkgetreueste Darstellung von Shelleys Kreatur, die je auf dem Bildschirm zu sehen war.”
Die Kreatur erhält den Namen “Caliban” (aus Shakespeares Der Sturm) von ihrem Arbeitgeber am Grand-Guignol-Theater, und wählt später den Namen “John Clare” nach dem echten englischen Dichter (1793-1864), der als “der Bauerndichter von Northamptonshire” bekannt war und Jahrzehnte in der Northampton General Lunatic Asylum verbrachte, wo er sein berühmtestes Gedicht “I Am” schrieb. Die Kreatur identifiziert sich mit Clare, weil Clare “eine besondere Verbundenheit mit den Ausgestoßenen und Ungeliebten empfand.” Eine perfekte Wahl. Beide Figuren existieren am Rand einer Gesellschaft, die keinen Platz für sie hat.
Man bekommt Dorian Gray (Reeve Carney), bereits unsterblich, der Oscar Wildes Kernkonzept bewahrt (das versteckte Porträt, das seine Sünden absorbiert) und übernatürliche Heilung hinzufügt. Man bekommt Ethan Chandler (Josh Hartnett), einen amerikanischen Revolverhelden, dessen wahrer Name sich als Ethan Lawrence Talbot entpuppt, eine Referenz an Larry Talbot aus Universals The Wolf Man von 1941. Man bekommt Sir Malcolm Murray (Timothy Dalton), einen alternden Entdecker nach dem Vorbild von Richard Francis Burton, der nach seiner Tochter sucht, die von Vampiren entführt wurde.
Und im Zentrum von allem steht Vanessa Ives.
Eva Green und die Darstellung des Jahrzehnts
Es gibt keine Möglichkeit, über Penny Dreadful zu sprechen, ohne über Eva Greens Darstellung als Vanessa Ives zu sprechen, denn die Serie würde ohne sie schlicht nicht existieren. Vanessa ist eine Originalschöpfung, nicht aus einer einzelnen literarischen Quelle entlehnt. Sie ist eine Frau, die seit ihrer Kindheit von etwas Gewaltigem und Dunklem berührt ist, verfolgt von Mächten, die sie beanspruchen wollen, und sie bekämpft sie mit einer Kombination aus katholischem Glauben, roher Wut und etwas, das man als Gnade unter übernatürlichem Druck bezeichnen könnte.
Die Glanzszenen sind legendär. In der zweiten Episode von Staffel 1 (“Séance”) besucht Vanessa eine Salon-Séance, die katastrophal schiefgeht. Green spielt eine ununterbrochene Besessenheitssequenz von acht bis zehn Minuten, ihr Körper verkrampft sich, ihre Stimme wechselt zwischen Vanessa und was auch immer von ihr Besitz ergriffen hat, während die anderen Schauspieler nur zusehen können. Es ist eine der außergewöhnlichsten Szenen in der Geschichte des Horror-Fernsehens.
In Staffel 1, Episode 7 (“Possession”) entfallen etwa 75 Prozent der Episode auf Greens Darstellung. Vanessa ist besessen und ans Bett gefesselt, während die anderen Figuren versuchen, sie zu retten. Die Episode hat eine 8,7-Bewertung auf IMDb.
Aber das Kronjuwel ist Staffel 3, Episode 4 (“A Blade of Grass”), die bestbewertete Episode der gesamten Serie mit 9,1 auf IMDb. Es ist im Wesentlichen ein Zweipersonenstück: Vanessa in einer Gummizelle, betreut nur von einem Pfleger, gespielt von Rory Kinnear (in einer Doppelrolle, getrennt von der Kreatur). Die Episode legt Vanessas Vergangenheit frei, ihre Zeit in einer Anstalt, durch zwei Darstellungen von solcher Intensität, dass das beträchtliche Spektakel der restlichen Serie fast überflüssig wird.
Green wurde für einen Golden Globe nominiert und gewann den Fangoria Chainsaw Award. Sie wurde, berüchtigterweise, nie für einen Emmy nominiert. Ob das mehr über die Emmys aussagt oder über die Genre-Voreingenommenheit, die den Horror noch immer verfolgt, ist eine offene Frage.
Die Bücher hinter der Serie
Was Penny Dreadful so reichhaltig macht, ist, dass die Serie nicht einfach Namen aus der viktorianischen Literatur borgt. Sie setzt sich tatsächlich mit dem Quellmaterial auf eine Weise auseinander, die Leser belohnt.
Frankenstein (1818): Mary Shelley war achtzehn Jahre alt, als sie ihn während des “Jahres ohne Sommer” in der Villa Diodati nahe dem Genfer See 1816 zu schreiben begann. Der Ausbruch des Mount Tambora in Indonesien im Vorjahr hatte die Atmosphäre mit Asche gefüllt und den Sommer zum kältesten in der europäischen Geschichtsschreibung gemacht. Eingesperrt vom unaufhörlichen Regen erzählten sich Shelley, ihr künftiger Ehemann Percy, Lord Byron und Byrons Arzt John Polidori Geistergeschichten zum Zeitvertreib. Byron schlug vor, jeder solle eine schreiben. Shelleys wurde der Gründungstext von Science-Fiction und Horror. Polidori nahm ein Fragment, das Byron begonnen und aufgegeben hatte, und entwickelte daraus The Vampyre (1819), die erste moderne Vampirgeschichte in englischer Sprache, die sogar Varney um sechsundzwanzig Jahre vorausging.
Die Serie bewahrt Shelleys radikalste Idee: Das wahre Monster ist nicht die Kreatur, sondern der Schöpfer, der sie verlässt. Victor Frankenstein in der Serie ist sympathisch, aber letztlich egoistisch, getrieben von intellektueller Eitelkeit statt von echtem Mitgefühl. Die Wut der Kreatur ist verdient.
Dracula (1897): Bram Stoker arbeitete sieben Jahre an seinem Roman und produzierte über hundert Seiten Recherche-Notizen. Der Arbeitstitel war The Un-Dead, und der Bösewicht hieß ursprünglich “Count Wampyr.” Am 8. August 1890, während er in einem Gästehaus in Whitby, Yorkshire, logierte, fand Stoker in der öffentlichen Bibliothek ein Buch: William Wilkinsons An Account of the Principalities of Wallachia and Moldavia (1820), das einen Fürsten aus dem fünfzehnten Jahrhundert namens “Dracula” erwähnte. Er ersetzte “Wampyr” durch den Namen, der unsterblich werden sollte. Diese Forschungsnotizen befinden sich heute im Rosenbach Museum in Philadelphia, 1970 erworben und erstmals 1972 von den Gelehrten Raymond McNally und Radu Florescu untersucht.
Die Serie geht radikal mit Dracula um. Er tritt nicht als osteuropäischer Aristokrat aus Stokers Roman auf. Stattdessen wird er als Bruder Luzifers neu gedacht, der bei Tageslicht unter dem Alias “Dr. Alexander Sweet” wandelt, einem Zoologen am Natural History Museum. Sein Ziel ist nicht Blut und Eroberung, sondern die Liebe von Vanessa Ives zu gewinnen, die die Serie als sein ewiges Gegenstück identifiziert. Es ist eine theologische Neuinterpretation, die mehr Milton als Stoker schuldet.
Das Bildnis des Dorian Gray (1890): Oscar Wildes Roman wurde bei einem Abendessen im Langham Hotel am 30. August 1889 in Auftrag gegeben, bei dem der Herausgeber von Lippincott’s Monthly Magazine auch Arthur Conan Doyle beauftragte, Das Zeichen der Vier zu schreiben. Als Dorian Gray erschien, nannte ihn die Daily Chronicle “eine Geschichte, die der leprösen Literatur der französischen Dekadenz entsprungen ist.” WHSmith zog alle Exemplare aus seinen Buchhandlungen zurück. Fünf Jahre später wurden Passagen des Romans bei Wildes Prozess als Beweis für “eine gewisse Neigung” laut vorgelesen. Das Buch wurde zu einer Waffe, die seinen eigenen Autor zerstörte.
Die Serie nutzt Dorian als etwas Subtileres als einen Bösewicht oder Helden. Carneys Dorian ist melancholisch, rastlos, gelangweilt von der Unsterblichkeit. Er ist ein Katalysator, der sich durch die Geschichten anderer Figuren bewegt, angezogen von Intensität, weil er selbst nichts mehr fühlen kann.
Poesie als Architektur
Eine der markantesten Entscheidungen der Serie ist ihr systematischer Einsatz englischer romantischer Dichtung, nicht als Dekoration, sondern als strukturelles Material. Figuren zitieren Keats, Shelley, Blake, Wordsworth und Clare in Momenten emotionaler Extremsituationen, und die Gedichte fungieren als Charaktermarker.
Das Schlüsselgedicht ist John Clares “I Am”, geschrieben während seiner Jahrzehnte in der Anstalt. In Staffel 2, Episode 5 (“Above the Vaulted Sky”) rezitieren Vanessa und die Kreatur es gemeinsam in einem Obdachlosenheim. Die Meditation des Gedichts über Isolation, Identität und Sehnsucht nach Frieden spiegelt die emotionalen Zustände beider Figuren so präzise, dass die Szene zu einer der bewegendsten der gesamten Serie wird.
Die Serie endet damit, dass die Kreatur Wordsworths “Ode: Intimations of Immortality” über Vanessas frisch ausgehobenem Grab rezitiert. Es ist das literarischste Ende im Fernseh-Horror, und es funktioniert, weil die Serie es sich verdient hat. “Alle traurigen Menschen mögen Poesie,” sagt eine Figur früher in der Serie. Es klingt wie eine beiläufige Bemerkung. Es stellt sich heraus, dass es die These der Serie ist.
Das viktorianische London als das eigentliche Monster
Das London der Serie ist nicht bloß Kulisse. Es ist ein funktionierendes Ökosystem aus Privilegien und Elend, das die übernatürlichen Schrecken fast überflüssig erscheinen lässt.
In den 1890er Jahren war London die größte Stadt der Welt, Hauptstadt eines Reiches, das ein Viertel der Erde regierte. Viktorianische Schriftsteller “binarisierten ihre urbane Welt in Zonen des Lichts und der Dunkelheit”, wo “alle Abflussrohre und Kanäle der Metropole sich im East End zu ergießen schienen.” Das echte East End beherbergte Einwanderergemeinschaften in engen Mietskasernen mit überlaufenden Senkgruben und unzureichender Drainage. Die erste öffentliche Gasstraßenbeleuchtung war 1807 an der Pall Mall erschienen, aber jede Laterne beleuchtete nur wenige Meter um ihren Mast und ließ Dunkelheitstümpel zwischen sich. Eine Stadt von vier Millionen Menschen, beleuchtet von etwas Schwächerem als einer modernen 25-Watt-Birne.
Die Serie nutzt diesen Kontext intelligent. Sir Malcolm Murrays Reichtum stammt aus kolonialer Erforschung Afrikas, und die Serie scheut nicht vor der Gewalt zurück, die ihn finanzierte. Sein Diener Sembene (Danny Sapani) trägt seine eigene traumatische Vergangenheit im Zusammenhang mit dem Sklavenhandel. Die Kreatur findet Arbeit in einem Wachsfigurenkabinett am Rand der respektablen Gesellschaft. Brona Croft (Billie Piper), eine irische Einwanderin, die an Schwindsucht stirbt, verkauft ihren Körper zum Überleben. Das sind keine Nebenhandlungen. Sie sind das Argument der Serie, dass die wahren Schrecken des viktorianischen London menschlicher Natur waren und dass die übernatürlichen Monster in gewissem Sinne ehrlicher über das sind, was sie sind.
Die Séance-Kultur, die in der Serie so prominent auftritt, war historisch real. Die Society for Psychical Research wurde am 20. Februar 1882 gegründet, mit dem Cambridge-Philosophen Henry Sidgwick als erstem Präsidenten. Der Hermetic Order of the Golden Dawn wurde 1888 gegründet. Helena Blavatskys Theosophische Gesellschaft war während der gesamten Periode aktiv. Die Viktorianer waren regelrecht besessen davon, den Schleier zwischen Lebenden und Toten zu durchdringen. Der Ägyptologe Ferdinand Lyle der Serie (Simon Russell Beale, 2019 zum Ritter geschlagen und als einer der größten lebenden Bühnenschauspieler angesehen) arbeitet am British Museum und übersetzt Hieroglyphen, die sich als Prophezeiung über das Ende der Welt herausstellen. Das ist nicht weit entfernt von dem, was echte viktorianische Ägyptologen zu tun glaubten.
Das Ende und sein Preis
Penny Dreadful lief drei Staffeln, 27 Episoden, von 2014 bis 2016. Die kritische Rezeption verbesserte sich mit jeder Staffel: 81% auf Rotten Tomatoes für Staffel 1, 100% für Staffel 2, 93% für Staffel 3. Die Serie gewann drei BAFTAs, bei dreizehn Emmy-Nominierungen (keine Gewinne, eine Tatsache, die mehr über die Emmys aussagt als über die Serie).
Das Ende ist das, worüber Fans noch immer streiten. Im Finale von Staffel 3 (“The Blessed Dark,” 19. Juni 2016) stirbt Vanessa. Ethan tötet sie auf ihre Bitte hin, als Gnadenakt, um die Dunkelheit, die sie verfolgt, davon abzuhalten, die Welt zu verschlingen. Logan behauptet, er habe während Staffel 2 gewusst, dass dies das Ende sein würde, und dass eine Fortsetzung ohne Vanessa “ein Akt der Treulosigkeit” wäre. Showtime-Präsident David Nevins sagte, sie hätten das Ende bewusst geheim gehalten, um Spoiler zu vermeiden.
Nicht alle kauften es. Staffel 3 führte Dr. Jekyll (Shazad Latif) und Catriona Hartdegen (Perdita Weeks) ein, Figuren, die sich wie Vorbereitungen für zukünftige Staffeln anfühlten. Jekyll verwandelt sich nie in Hyde. Bloody Disgusting veröffentlichte einen Kommentar, der argumentierte, der Drei-Staffeln-Plan fühle sich wie eine nachträgliche Rechtfertigung für eine tatsächliche Absetzung an.
Beide Lesarten haben ihre Berechtigung. Was unbestreitbar ist: Das Ende, welchen Ursprungs auch immer, passt zur emotionalen Logik der Serie. Penny Dreadful ist im Grunde eine Tragödie über eine Frau, die zu mächtig und zu gefährlich für die Welt ist, in der sie lebt, und die Frieden nur darin findet, ihren eigenen Tod zu wählen. Es ist kein bequemes Ende. Das soll es auch nicht sein.
Ein Spin-off, Penny Dreadful: City of Angels, lief 2020, angesiedelt im Los Angeles von 1938, ohne Figurenverbindung zum Original. Es wurde nach einer Staffel abgesetzt. Je weniger man dazu sagt, desto besser.
Warum es wichtig ist
Penny Dreadful ist aus demselben Grund wichtig wie die originalen Penny Dreadfuls: Es nahm anrüchiges Material und machte etwas wahrhaft Außergewöhnliches daraus. Die viktorianischen Publikationen nahmen Horror, Verbrechen und das Übernatürliche und verkauften sie an ein Publikum, das die respektable Kultur keines Blickes würdigte. Die TV-Serie nahm Horror-Fernsehen, ein Genre, das noch immer um kritische Anerkennung kämpft, und produzierte etwas, das sich neben den besten Dramen seiner Ära behaupten kann.
Die originalen Penny Dreadfuls gaben uns den sympathischen Vampir, den Serienmörder von nebenan und den kostümierten Rächer. Die TV-Serie gab uns Vanessa Ives, eine der großen tragischen Heldinnen des Fernsehens im einundzwanzigsten Jahrhundert, und eine Version von Frankensteins Kreatur, die endlich dem gerecht wird, was Mary Shelley tatsächlich geschrieben hat.
Beide Versionen von Penny Dreadful, die Publikationen und die Serie, verstanden etwas, das respektablere Unterhaltungsformen oft vergessen: dass Horror, wenn er richtig gemacht wird, nicht von Monstern handelt. Er handelt davon, wie es sich anfühlt, eines zu sein.
Penny Dreadful ist auf Paramount+ (das Showtimes Bibliothek übernahm) und verschiedenen Streaming-Plattformen verfügbar.
