Das Wort „Vampir“ ist serbisch. Es gelangte über österreichische Militärberichte aus den 1720er Jahren in die europäischen Sprachen, nachdem Ärzte in serbischen Dörfern Leichen exhumiert und aufgeschrieben hatten, was sie vorfanden. Bram Stoker veröffentlichte Dracula 1897. Zu diesem Zeitpunkt war der Vampir bereits seit über einem Jahrhundert Gegenstand medizinischer Berichte und philosophischer Debatten. Die Folklore selbst ist noch älter und zieht sich durch slawische, griechische und römische Traditionen, in denen die wiederkehrenden Toten kein Unterhaltungsstoff waren, sondern ein Problem, mit dem man umzugehen hatte.
Das Kino griff den Vampir 1922 auf und arbeitet sich seitdem an ihm ab. Die meisten Vampirfilme benutzen die Mythologie nur als Kulisse. Diese fünfzehn wurden ausgewählt, weil sie das Quellenmaterial ernst nehmen – ob das nun bedeutet, dass Murnau Stokers Roman stiehlt und in einen alptraumhaften deutschen Expressionismus verwandelt, oder dass ein serbischer Regisseur mit null Budget eine Volkslegende direkt vor Ort verfilmt.
Die Auswahl ist nicht gerankt und umfasst ein Jahrhundert Filmgeschichte aus sieben Ländern. Manche sind Horror, manche Komödie, und einer ist eine Liebesgeschichte im schwedischen Winter.
1. Nosferatu (1922)
F.W. Murnau | Deutschland | 94 Minuten
Der Film, mit dem alles begann – und er begann mit Diebstahl. Produzent Albin Grau, praktizierender Okkultist, wollte Bram Stokers Dracula verfilmen, konnte sich die Rechte aber nicht sichern. Murnau machte trotzdem weiter, änderte die Namen (aus Dracula wurde Graf Orlok, aus Jonathan Harker Thomas Hutter) und behielt das Grundgerüst der Handlung bei. Stokers Witwe klagte, und ein deutsches Gericht ordnete die Vernichtung sämtlicher Kopien an.
Die Kopien überlebten trotzdem. Max Schrecks Graf Orlok mit seinen Rattenzähnen und verlängerten Fingern wurde zum dauerhaftesten Vampirbild der Filmgeschichte. Sein Schatten bewegt sich unabhängig von seinem Körper und steigt eine Treppe hinauf, während Orlok selbst stillsteht. Er sieht überhaupt nicht aus wie der aristokratische Verführer, den Lugosi neun Jahre später etablieren sollte. Er sieht aus wie etwas, das Krankheit bringt.
Murnau erfand Konventionen, die ein Jahrhundert später noch gelten: den durch Sonnenlicht vernichteten Vampir (bei Stoker nicht vorhanden), den Schatten auf der Treppe, die Verbindung von Vampirismus und Seuche. Die ganze Geschichte der Produktion, des okkultistischen Produzenten und des Prozesses, der den Film nicht töten konnte, erzählen wir in unserem Artikel über Nosferatu.
Nosferatu erfand die Idee, dass Sonnenlicht Vampire tötet. In Bram Stokers Roman kann Dracula sich tagsüber ohne Schaden bewegen. Murnau fügte den Tod durch Sonnenlicht als dramaturgisches Mittel hinzu – und machte ihn damit zum festen Bestandteil der Vampirüberlieferung.
2. Vampyr (1932)
Carl Theodor Dreyer | Dänemark/Deutschland/Frankreich | 75 Minuten
Dreyer adaptierte Sheridan Le Fanus „In a Glass Darkly“ und schuf etwas, das eher einem Fiebertraum als einem Erzählfilm gleicht. Ein junger Reisender kommt in einem Gasthof an und beginnt Dinge zu sehen, die nicht da sein dürften. Schatten lösen sich von Körpern. Ein Sensenmann erscheint auf einem See. Eine junge Frau wird langsam zum Vampir.
Der Film wurde mit einem Gazefilter vor der Linse gedreht, was jedem Bild eine weiche, kreidige Qualität verleiht und die ganze Welt leicht unwirklich erscheinen lässt. Dreyer besetzte Laien, und gerade ihre Steifheit verstärkt die Atmosphäre. Die Begräbnisszene, aus dem Inneren des Sarges durch ein Glasfenster gefilmt, während der Deckel zugenagelt wird, gehört bis heute zu den klaustrophobischsten Sequenzen der Filmgeschichte.
Vampyr scheiterte bei seiner Veröffentlichung und hätte Dreyers Karriere beinahe beendet. Es dauerte Jahrzehnte, bis Kritiker den Film als eines der größten Horrorwerke überhaupt erkannten.
3. Dracula (1931)
Tod Browning | USA | 75 Minuten
Bela Lugosi hatte Dracula bereits drei Jahre lang am Broadway gespielt, bevor Universal ihn vor die Kamera stellte. Seine Darstellung prägte die Rolle so vollständig, dass fast jede spätere Dracula-Version entweder Lugosi folgt oder versucht, sich von ihm zu lösen.
Die ersten dreißig Minuten im Schloss Dracula sind die beste Dracula-Verfilmung auf Film. Karl Freunds Kameraarbeit macht aus den Carfax-Abbey-Kulissen echte gotische Architektur, und Lugosis Starre, diese Art, sich durch einen Raum zu bewegen, ohne zu gehen, erzeugt etwas, das Spezialeffekte nicht nachbilden können. Der Film verliert an Kraft, sobald er nach London wechselt und zum Salonstück wird, aber dieser erste Akt hat ihm seinen Platz in der Filmgeschichte gesichert.
Lugosi erhielt für die Rolle 3.500 Dollar. 1956 wurde er auf Wunsch seiner Familie in seinem Dracula-Umhang beerdigt.
4. The Fearless Vampire Killers (1967)
Roman Polanski | Großbritannien/USA | 108 Minuten
Gotische Komödie, die gerade deshalb funktioniert, weil Polanski die Mythologie ernst genug nimmt, um erst einmal echte Atmosphäre aufzubauen, bevor er sie unterläuft. Professor Abronsius und sein Assistent Alfred reisen in ein transsilvanisches Dorf, um Vampire zu untersuchen, und finden mehr, als sie erwartet haben.
Der Film ist wunderschön. Polanski und Kameramann Douglas Slocombe schufen den visuell reichsten Vampirfilm der 1960er Jahre, mit schneebedeckten Karpatenlandschaften, die wie romantische Gemälde wirken. Der Humor ist trocken und körperlich, in den Figuren verankert statt in bloßer Parodie. Die Ballszene, in der die Vampire tanzen und Alfred erkennt, dass das Paar keinen Spiegelreflex hat, ist ein perfektes Stück Horror-Komödien-Kino.
Mehr zum Film und seinem Platz im Vampirkino in unserem Artikel über The Fearless Vampire Killers.
5. Leptirica (1973)
Đorđe Kadijević | Jugoslawien (Serbien) | 63 Minuten
Das Wort „Vampir“ ist serbisch. Es gelangte über österreichische Militärberichte aus den 1720er Jahren in die europäischen Sprachen, nach den dokumentierten Fällen von Petar Blagojević und Arnold Paole. Dies ist der einzige Vampirfilm, der aus jener Kultur stammt, die der Welt sowohl das Wort als auch die dahinterstehende Folklore gegeben hat.
Kadijević adaptierte Milovan Glišićs Erzählung „Nach neunzig Jahren“ von 1880, die ihrerseits auf der Legende von Sava Savanović basiert, dem berühmtesten Vampir der serbischen Folklore. Savanović soll in einer Wassermühle am Fluss Rogačica nahe dem Dorf Zarožje gelebt und Müller getötet haben, die dort Getreide mahlen wollten. Die Mühle war ein echtes Gebäude. Das Dorf existiert noch immer. Als die Mühle 2012 einstürzte, veröffentlichte der Gemeinderat eine Gesundheitswarnung und riet den Bewohnern, Knoblauch an ihre Fenster zu hängen.
Kadijević drehte mit fast keinem Budget direkt vor Ort, in echten Dörfern und mit lokaler Volksmusik. Das Ergebnis fühlt sich überhaupt nicht wie eine Studioproduktion an. In der Premierenacht am 15. April 1973 soll in Skopje ein Mann vor Schreck während der Ausstrahlung gestorben sein. Das jugoslawische Fernsehen zeigte den Film nur zweimal. Manche Zeitungen nannten ihn einen „terroristischen Film“. Kadijević selbst hielt ihn nie für Horror. Er nannte ihn eine Fantasie über metaphysisches Böses im menschlichen Gewissen.
In der ersten Hälfte spielt sich der Film wie eine Dorfkomödie. Man trinkt, streitet über den Brautpreis und ignoriert, dass ständig Müller sterben. Dann fällt die Nacht über die Mühle, die Volksmusik kippt ins Falsche, und der Vampir erscheint. Kein anderer Film ist dem so nahe gekommen, zu zeigen, was ein Vampir in jener Tradition tatsächlich war, die das Konzept hervorgebracht hat. Keine Umhänge, keine Schlösser, nur ein totes Ding an einer Wassermühle in völliger Dunkelheit.
Milovan Glišić veröffentlichte „Nach neunzig Jahren“ 1880 – siebzehn Jahre bevor Bram Stoker Dracula veröffentlichte. Der serbische Vampir stand bereits im Druck, bevor der englische überhaupt existierte.
6. Nosferatu the Vampyre (1979)
Werner Herzog | Westdeutschland | 107 Minuten
Herzog drehte Murnaus Film neu, weil er ihn liebte. Er nannte das Original „den größten deutschen Film“ und inszenierte seine Version als bewusste Fortsetzung jener Tradition, die Murnau begonnen und die der Nationalsozialismus unterbrochen hatte. Der Film war, in Herzogs Worten, ein Versuch, sich wieder mit dem legitimen deutschen Kino zu verbinden, das der Faschismus abgeschnitten hatte.
Klaus Kinski spielt Dracula als jemanden, der von der Unsterblichkeit erschöpft ist. Sein Nosferatu sitzt blass und allein im Dunkeln und sagt Jonathan Harker, das Schlimmste am ewigen Leben sei, dass es niemals ende. Lugosis Dracula beherrschte jeden Raum. Kinskis hält es kaum in einem aus.
Isabelle Adjani als Lucy Harker liefert die stärkste Leistung des Films. Mit kaltem Verständnis opfert sie sich selbst, weil der Vampir bis zum Sonnenaufgang am Fressen gehalten werden muss. Der letzte Akt, in dem Ratten durch die Straßen strömen und die Stadtbewohner tanzen, weil die Pest sie in den Wahnsinn getrieben hat, zeigt Herzog in seiner opernhaftesten Form.
7. Near Dark (1987)
Kathryn Bigelow | USA | 94 Minuten
Vampire im amerikanischen Südwesten. Keine Schlösser, keine Umhänge, und das Wort „Vampir“ fällt im ganzen Film nicht ein einziges Mal. Caleb, ein junger Farmer, wird von Mae gebissen und in ihre Familie aufgenommen: eine umherziehende Gruppe von Killern, die nachts in einem Van mit geschwärzten Fenstern unterwegs ist.
Die Barszene gehört zu den besten Horror-Setpieces der 1980er Jahre. Bill Paxtons Severen, mit Zahnstocher im Mund, der ein ganzes Roadhouse terrorisiert, macht aus einer B-Movie-Idee etwas wirklich Bedrohliches. Was diese Vampire so furchteinflößend macht, ist das, was sie in einem Raum voller Menschen zu tun bereit sind, die sie nicht aufhalten können.
Near Dark war Bigelows zweiter Spielfilm. Bei seiner Veröffentlichung ging er unter, verschluckt von der Marketingmaschine hinter The Lost Boys, der im selben Jahr erschien. The Lost Boys gehört zu 1987. Near Dark ist besser gealtert, weil er nie versucht hat, zeitgeistig zu sein.
8. Bram Stoker’s Dracula (1992)
Francis Ford Coppola | USA | 128 Minuten
Überladen und opernhaft – genau auf die richtige Weise. Coppola drehte den Film, wo immer möglich, mit In-Camera-Effekten: erzwungene Perspektiven, Doppelbelichtungen, Schattenspiele, Projektionen. Das Ergebnis sieht in Hollywood der 1990er nach nichts anderem aus, weil es auf die Art gemacht wurde, wie Filme entstanden, bevor CGI alles übernahm.
Gary Oldmans Dracula ist die vollständigste Filmversion der Figur. Im Lauf des Films erscheint er in mindestens vier deutlich verschiedenen Gestalten: vom uralten Krieger in roter Rüstung über den blassen jungen Prinzen auf den Straßen Londons bis zur Fledermauskreatur in der Kapelle. Oldman spielt jede davon mit totaler Hingabe, und die Liebesgeschichte zwischen Dracula und Mina (Winona Ryder), von Coppola und Drehbuchautor James V. Hart erfunden, gibt dem Film ein emotionales Zentrum, das Stokers Roman fehlt.
Die Nebenbesetzung ist uneinheitlich (Keanu Reeves war als Harker fehlbesetzt, und er weiß das selbst), aber Anthony Hopkins als Van Helsing und Tom Waits als Renfield sind perfekt. Das Produktionsdesign von Thomas E. Sanders und die Kostüme von Eiko Ishioka tragen den Film ebenso sehr wie jede schauspielerische Leistung. Ishiokas Arbeit gewann den Oscar – völlig zu Recht.
9. Interview with the Vampire (1994)
Neil Jordan | USA | 123 Minuten
Anne Rice adaptierte ihren eigenen Roman und wehrte sich zunächst gegen die Besetzung von Tom Cruise als Lestat. Nachdem sie den Film gesehen hatte, änderte sie ihre Meinung. Cruise ist hervorragend: kalt und grausam auf eine Weise, die Lestats Charisma verdient wirken lässt statt bloß hingeschrieben.
Jordan und Rice machen aus dem Vampirismus etwas Mühsames – im bestmöglichen Sinn. Ewiges Leben als existenzielles Urteil. Louis (Brad Pitt) erzählt von zwei Jahrhunderten des Fressens, der Einsamkeit und der langsamen Erkenntnis, dass Unsterblichkeit nichts löst. Das Kindvampirmädchen Claudia (Kirsten Dunst, zwölf Jahre alt und furchteinflößend) verkörpert den Horror der Prämisse: ein erwachsener Geist, gefangen in einem Körper, der nie altern wird, aus einer Laune heraus von Lestat erschaffen, nur damit Louis ihn nicht verlässt.
Jordan, der achtzehn Jahre später mit Byzantium ins Vampirterritorium zurückkehren sollte, inszenierte den Film eher als Historienstück denn als Horrorfilm. Die New-Orleans-Sequenzen sind üppig und präzise, und Jordans Bereitschaft, Szenen atmen zu lassen, bei Louis’ Verzweiflung zu verweilen statt zur nächsten Aktion zu schneiden, verleiht dem Film ein Gewicht, das den meisten Vampirfilmen fehlt.
10. Let the Right One In (2008)
Tomas Alfredson | Schweden | 114 Minuten
Spielt 1982 in einem Vorort von Stockholm. Oskar, zwölf Jahre alt und gemobbt, lernt Eli kennen, die nebenan eingezogen ist. Eli ist ein Vampir, und der Film ist eine Liebesgeschichte.
Alfredson drehte im echten schwedischen Winter, und die Kälte ist ständig präsent: Atemwolken in jeder Außenszene, Schnee auf jeder Oberfläche, das blasse Licht des skandinavischen Winters, das die Welt schon blutleer aussehen lässt, bevor überhaupt Blut fließt. Die Mobbing-Szenen sind genauso schwer zu ertragen wie alles, was mit Vampiren zu tun hat. Die Schwimmbadszene am Ende ist eine der großen Schlusssequenzen des Horrorkinos, und Alfredson erreicht ihre Wirkung, indem er die Kamera unter Wasser hält und das Publikum nur hört, was oben geschieht.
Der Film basiert auf dem Roman von John Ajvide Lindqvist, und Lindqvist schrieb das Drehbuch selbst. Das amerikanische Remake (Let Me In, 2010) ist ordentlich, fügt dieser Version aber nichts hinzu, was sie nicht längst schon hätte.
11. A Girl Walks Home Alone at Night (2014)
Ana Lily Amirpour | USA | 101 Minuten
Ein iranischer Vampirwestern in Schwarzweiß, gedreht in Bakersfield, Kalifornien. Die Stadt heißt Bad City. Ein Skateboard fahrender Vampir im Tschador streift nachts durch ihre Straßen und jagt Männer, die Jagd auf Frauen machen.
Amirpour baut den Film eher auf Stimmung als auf Handlung. Der Soundtrack leistet genauso viel wie das Drehbuch: iranischer Pop, Gitarren im Geiste Ennio Morricones, elektronische Musik, die leere Straßen in Landschaften verwandelt. Die Szenen zwischen dem Vampir (Sheila Vand) und Arash (Arash Marandi) leben von Schweigen und Nähe – zwei Menschen, die dicht beieinander in einem Raum stehen, in dem etwas passieren könnte und nichts passiert, und dann doch.
Der Film entzieht sich einfachen Kategorien. Er wurde in Kalifornien von einer iranisch-amerikanischen Regisseurin gedreht, benutzt die Bildsprache des Westerns und verwandelt sich dann, wenn man es nicht erwartet, in eine Liebesgeschichte. Amirpour nannte ihn „den ersten iranischen Vampirwestern“. Einen zweiten hat bis heute niemand gedreht.
12. What We Do in the Shadows (2014)
Taika Waititi und Jemaine Clement | Neuseeland | 86 Minuten
Die beste Vampirkomödie überhaupt, und sie funktioniert, weil Waititi und Clement die Mythologie gut genug verstehen, um den Witz in ihr selbst zu finden, statt bloß Gags darüberzukleben.
Vier Vampire teilen sich eine Wohnung in Wellington, Neuseeland. Viago (Waititi) ist ein Dandy aus dem 18. Jahrhundert, der vor dem Fressen Handtücher auslegt, um die Möbel zu schützen. Vladislav (Clement) ist ein mittelalterlicher Kriegsherr, der einst Tausende gepfählt hat, jetzt aber mit Technik nicht klarkommt. Deacon (Jonny Brugh) ist ein junger Vampir, der sich weigert, seinen Teil der Hausarbeit zu erledigen. Petyr (Ben Fransham) ist 8.000 Jahre alt und lebt im Keller, wo er aussieht wie Graf Orlok.
Das Mockumentary-Format erlaubt dem Film, die banalen Logistikprobleme des Vampirismus auszuleuchten, die andere Filme ignorieren: Wer spült ab, wenn das Geschirr voller Blut ist? Wie kommt man in einen Nachtclub, wenn man erst eingeladen werden muss? Was passiert, wenn der neue Mitbewohner ein frisch verwandelter IT-Typ ist, der ständig im Internet über Vampire postet? Jeder Witz ist in der Mythologie verankert. Nichts ist beliebig.
Taika Waititi und Jemaine Clement improvisierten den Großteil der Dialoge. Der Film hatte ein lockeres Drehbuch, aber die Schauspieler wurden ermutigt, in ihren Rollen zu bleiben und auf jede Situation natürlich zu reagieren. Das Mockumentary-Format wurde genau deshalb gewählt.
13. Byzantium (2012)
Neil Jordan | Großbritannien/Irland | 118 Minuten
Jordan kehrte achtzehn Jahre nach Interview with the Vampire zum Vampirstoff zurück und machte etwas Leiseres. Gemma Arterton und Saoirse Ronan spielen Clara und Eleanor, Mutter und Tochter, die seit zwei Jahrhunderten Vampire sind und sich nun in einer heruntergekommenen englischen Küstenstadt verstecken, wo sie ein Gästehaus betreiben.
Die Geschlechterdynamik läuft der traditionellen Vampirfilm-Logik entgegen. Clara ist das Raubtier und die Überlebende, diejenige, die die harten Entscheidungen getroffen hat, um sie beide am Leben zu halten. Eleanor ist das Gewissen, schreibt ihre Geschichte auf lose Blätter und wirft sie in den Wind, weil sie nicht aufhören kann, sie zu erzählen, und niemand sie lesen darf. Die Männer des Films, darunter eine geheime Bruderschaft männlicher Vampire, die die beiden seit Jahrhunderten jagt, sind Hindernisse statt Protagonisten.
Jordans Regie ist zurückhaltend. Die Küstenstadt, in Hastings gedreht, wirkt dauerhaft feucht und melancholisch. Die Gewalt, wenn sie kommt, ist plötzlich und schnell vorbei. Byzantium fand bei seiner Veröffentlichung kein Publikum – ein typisches Schicksal für Vampirfilme, die weder gruselig noch spaßig sein wollen. Er ist besser als sein Ruf.
14. Only Lovers Left Alive (2013)
Jim Jarmusch | Großbritannien/Deutschland | 123 Minuten
Tilda Swinton und Tom Hiddleston als uralte Vampire im modernen Detroit und Tanger. Adam (Hiddleston) ist ein zurückgezogen lebender Musiker, der lange genug gelebt hat, um Schubert und Byron gekannt zu haben, und vom Zustand der Welt deprimiert ist. Eve (Swinton) ist seine Frau, eine Leserin, die Jahrhunderte Literatur im Gedächtnis trägt und der modernen Welt mit mehr Geduld begegnet, als Adam aufbringen kann.
Jarmusch behandelt Vampirismus als kulturelle Erschöpfung. Adam und Eve haben alles gesehen und gelesen, was es zu sehen und zu lesen lohnt. Sie beziehen Blut über einen Krankenhauskontakt und trinken es aus Kristallgläsern wie Weinkenner. Adams Wohnung in Detroit ist voller analoger Geräte, Schallplatten und Porträts der Toten. Menschen nennen sie „Zombies“.
Der Film ist langsam und bewusst gebaut, und wenn man Handlung braucht, wird er einen langweilen. Was er stattdessen bietet, ist Atmosphäre: nächtliche Fahrten durch das verlassene Detroit, die engen Straßen von Tanger um drei Uhr morgens, zwei Menschen, die einander lieben und sich seit Jahrhunderten lieben, weil nichts anderes mehr übrig ist. John Hurt hat einen kurzen Auftritt als Christopher Marlowe, der noch immer lebt und noch immer verärgert ist, dass Shakespeare den Ruhm bekommt.
15. Nosferatu (2024)
Robert Eggers | USA | 132 Minuten
Der dritte Film, der die Nosferatu-Geschichte adaptiert, und der erste, der das folkloristische Quellenmaterial ebenso ernst nimmt wie das filmische Erbe. Eggers, der The Witch (2015) und The Lighthouse (2019) gemacht hat, verbrachte Jahre damit, die Volksvorstellungen hinter dem Vampirmythos zu erforschen, und der Film spiegelt diese Recherche. Der Vampirismus in Eggers’ Nosferatu wurzelt in Krankheit, Besessenheit und der ganz spezifischen Textur des Aberglaubens des 19. Jahrhunderts.
Bill Skarsgårds Graf Orlok ist schwerer und körperlicher als frühere Versionen, eine Präsenz, die die Luft um sich herum zu verbiegen scheint. Lily-Rose Depp als Ellen Hutter trägt das emotionale Gewicht des Films, und ihre Darstellung macht aus einer potenziell passiven Opferrolle etwas deutlich Komplexeres. Die Verbindung zwischen Ellen und Orlok ist Besessenheit, eine geistige Krankheit, die sie bewusst gegen ihn einsetzen muss.
Das Produktionsdesign von Craig Lathrop ist das historisch detaillierteste aller Nosferatu-Adaptionen. Die deutsche Stadt Wisborg wirkt bewohnt, nicht dekoriert. Die transsilvanischen Sequenzen fühlen sich auf eine Weise kalt an, die man fast körperlich spürt. Eggers’ Version ersetzt weder Murnaus noch Herzogs Film. Sie steht neben ihnen – als dritter Punkt eines Dreiecks, das seit einem Jahrhundert Gestalt annimmt.
Die Folklore hinter den Filmen
Die Filme auf dieser Liste sind Adaptionen von etwas, das älter ist als das Kino.
Die römische Strix nährte sich von Menschenblut und suchte Kinderstuben heim. Der Vrykolakas Griechenlands war ein aufgedunsener Wiedergänger, der nachts umherging und an Türen klopfte. Der Vukodlak der südslawischen Tradition war eine Werwolf-Vampir-Mischgestalt, die aus schlecht bestatteten Gräbern aufstieg, und der Kozlak Dalmatiens war erblich und wurde über Blutlinien weitergegeben.
Die serbischen Fälle des 18. Jahrhunderts um Arnold Paole in Medveđa und Petar Blagojević in Kisiljevo brachten den Vampir ins europäische Bewusstsein. Österreichische Militärärzte exhumierten Leichen und verfassten Berichte, und das Wort „vampir“ gelangte innerhalb weniger Monate ins Englische, Französische und Deutsche. Polidoris The Vampyre (1819), Stokers Dracula (1897) und ein Jahrhundert Filmgeschichte wuchsen alle aus diesen Dokumenten heraus.
Die Regisseure, die diese Geschichte kennen, machen meist die besseren Filme. Murnaus Orlok sieht wie ein Seuchenträger aus, weil Murnau verstand, dass Vampirismus im Volksglauben mit Krankheit verbunden war. Kadijević drehte Leptirica in jener Landschaft, aus der die Folklore stammt. Eggers verbrachte Jahre damit, die Volksquellen zu lesen, bevor er seinen Nosferatu drehte.
Wer tiefer einsteigen will, beginnt am besten mit unseren Artikeln über Vampire in Ungarn, die Wiedergängerpanik in Mähren und die wiederkehrenden Toten des Balkans. Das Bestiarium behandelt über ein Dutzend untote Wesen aus verschiedenen Traditionen, darunter auch den Vampir selbst.
