Die Prämisse passt auf eine Serviette: Nimm Barock-Arien, die für volle Orchesterbegleitung geschrieben wurden, und reduziere sie auf Countertenor und Klavier. Der französische Countertenor Théophile Alexandre und der Pianist Guillaume Vincent haben genau das auf ADN Baroque getan, erschienen bei Klarthe Records. Der Albumtitel bedeutet „Barocke DNA", und die Metapher hält. Entkleidet man eine Arie ihres orchestralen Gewands, überlebt ihr genetischer Code: die Melodielinie, das harmonische Skelett, der Text, der Atem.
Einundzwanzig Arien, sieben Komponisten
Das Programm deckt mehr Boden ab als die meisten Barockrezitale. Händel erscheint sechsmal mit Arien aus Alessandro, Giulio Cesare und dem geliebten Lascia Ch’io Pianga aus Rinaldo. Vivaldi steuert fünf Stücke bei, darunter das wilde Agitata Infido Flatu und das zarte Cum Dederit aus seinem Nisi Dominus. Purcell bringt vier, unter ihnen den verheerenden Cold Song aus King Arthur.
Das Album enthält drei Duette, in denen Alexandre seine eigene Stimme überlagert und so einen Effekt zwischen Gespräch und Selbstgespräch erzeugt. Monteverdis Pur Ti Miro und Porporas Placidetti Zeffiretti erscheinen beide in diesem verdoppelten Format.
Bachs Erbarme Dich aus der Matthäus-Passion taucht überraschend auf. Am Klavier, ohne die Solo-Violinen-Obligato, wird die Arie fast unerträglich intim. Monteverdis Soave eröffnet das Album und zieht den Hörer ins frühe siebzehnte Jahrhundert zurück. Rameaus Les Sauvages aus Les Indes galantes liefert einen Blitz theatralischer Farbe. Porpora, heute oft übersehen, aber einst Händels schärfster Rivale in London, bekommt drei Stücke.
Jeder Track trägt den Titel einer französischen Emotion: L’Oubli (Vergessen), L’Effroi (Schrecken), La Colère (Zorn), Les Regrets, La Liberté. Die emotionale Überschrift steht über jeder Arie wie ein Kapiteltitel und verwandelt das Album in etwas, das einem Katalog menschlicher Empfindungen näher kommt als einem konventionellen Rezital.
Warum die Reduktion funktioniert
Eine Barock-Arie ist für Spektakel gebaut. Da-capo-Form, Koloratur-Feuerwerk, die volle Palette aus Streichern, Bläsern und Cembalo-Continuo. Entferne all das, und du solltest das Stück verlieren. Alexandre und Vincent beweisen das Gegenteil.
Das Klavier absorbiert die gesamte Begleitung. Vincent spielt Basslinien, füllt harmonische Farbe auf und schwillt gelegentlich zu etwas an, das orchestraler Fülle nahekommt, bevor er sich auf einen einzelnen gehaltenen Akkord zurückzieht. Er behandelt das Klavier als Architektur statt als Dekoration. Man hört die Knochen der Harmonie, die strukturelle Logik, die diese Arien zusammenhielt, bevor jemand Verzierungen hinzufügte.
Purcells Cold Song wurde ursprünglich für Bassstimme in der Oper King Arthur von 1691 geschrieben. Die Arie zeigt den Kältegeist, der von Amor geweckt wird und durch die Musik zittert. Am Klavier verlieren die ikonischen wiederholten Noten im Bass nichts von ihrem eisigen Gewicht.
Alexandres Countertenor trägt den Rest. Er phrasiert wie ein Schauspieler, der Zeilen liefert, statt wie ein Sänger, der Noten ausführt. Silben landen mit physischem Gewicht. Kadenzen atmen. Die reduzierte Textur lässt keinen Platz zum Verstecken, und er versucht nicht, sich zu verstecken. Händels Trauer klingt wie Trauer. Vivaldis Wut klingt wie Wut. Die Distanz, die Periodinstrumente manchmal zwischen Hörer und Emotion schaffen, ist verschwunden.
Die Pythagoreer glaubten, alle Musik sei ein Abbild kosmischer Ordnung, dass Intervalle und Verhältnisse die Struktur des Universums codierten. Die Barockkomponisten erbten diese Idee und bauten ihre Arien darauf. Wenn man die Arie auf ihr harmonisches Skelett reduziert, hört man diese Verhältnisse deutlicher. Für eine tiefere Erkundung, wie antike Denker die Beziehung zwischen Klang und Kosmos verstanden, siehe Die Philosophie der Musik: Zahl, Mythos und das Lied der Welt.
Die Künstler
Théophile Alexandre studierte am Pariser Konservatorium und arbeitet in Oper, Rezital und zeitgenössischer Performance. Er ist auch Tänzer und Bewegungskünstler, und diese körperliche Intelligenz zeigt sich in seinem Gesang. Die Phrasierung fühlt sich muskulär statt dekorativ an. Das Rubato kommt dort, wo der Körper pausieren würde, nicht wo die Konvention es vorschreibt.
Guillaume Vincent studierte am Conservatoire de Paris und pflegt eine Karriere in Kammermusik, Liedrezital und zeitgenössischem Repertoire. Sein Spiel auf ADN Baroque verweigert romantische Schwelgerei. Der Anschlag ist präzise, die Pedalarbeit transparent. Wenn Händel Größe verlangt, liefert Vincent sie. Wenn Monteverdi Stille verlangt, verschwindet er beinahe.
Die Partnerschaft zählt. Dies ist kein Sänger, begleitet von einem Pianisten. Es sind zwei Musiker, die sich einen dramatischen Raum teilen und Entscheidungen in Echtzeit gemeinsam treffen. Die Duette, in denen Alexandre seine eigene Stimme verdoppelt, während Vincent das harmonische Zentrum hält, zeigen, wie tief diese Zusammenarbeit reicht.
Wie man hört
Das ist keine Hintergrundmusik. Die reduzierte Textur verlangt Aufmerksamkeit. Gib ihr Kopfhörer oder nahe Lautsprecher. Folge einer Übersetzung, wenn du die italienischen, lateinischen, englischen oder französischen Texte nicht kennst. Der ganze Sinn der Reduktion ist, dass man die Worte hört.
Beginne mit Erbarme Dich (Track 12), um die emotionale Logik des Albums zu verstehen. Dann Cold Song (Track 6) für seine rohe dramatische Kraft. Dann Lascia Ch’io Pianga (Track 21), das das Album mit Händel in seiner exponiertesten Form beschließt.
Wenn die Verbindung von Barockmusik und körperlicher Performance interessiert, arbeitet Edin Karamazovs Lautenrezital eine ähnliche Reduktion in umgekehrter Richtung und baut Vokalmusik für ein Solo-Instrument um. Siehe Album Tipp: Edin Karamazov — The Lute Is a Song. Und wenn barockes Drama auf der Leinwand dein Ding ist, spielt sich die Spannung zwischen Genie und Handwerk, die die Epoche prägte, in vollem Umfang ab in Film Tipp: Amadeus — Mozart, Salieri und der Genie-Mythos.
Was die Reduktion überlebt
Das Album wirft eine Frage auf, die Barockinterpreten selten laut stellen: Wie viel von der Kraft eines Stücks kommt von der Orchestrierung und wie viel vom melodischen und harmonischen Inhalt selbst? Wenn eine Händel-Arie immer noch verheerend wirkt, begleitet von nichts als einem Klavier, dann war der emotionale Motor nie die Orchestrierung. Es war die Linie, das Intervall, das Wort.
Nicola Porpora, der auf dem Album drei Stücke bekommt, betrieb in den 1730er Jahren in London eine rivalisierende Opernkompanie gegen Händel. Ihr Wettbewerb war so heftig, dass das Publikum sich in Fraktionen teilte. Porporas Star-Kastrat war Farinelli, vielleicht der berühmteste Sänger der europäischen Geschichte.
Das ist es, was der Titel verspricht. Reduziere den Barock auf seine DNA, und du findest keine Museumsmusik. Du findest Arien, die immer noch treffen, weil sich die Emotionen, die sie beschreiben, nicht verändert haben. Händels Ombra Cara (Teurer Schatten) handelt von Trauer. Vivaldis Dite Ohimè handelt von Verlassenwerden. Purcells If Love’s a Sweet Passion handelt von der Verwirrung des Begehrens. Kein Maß an historischem Abstand macht diese Gefühle fremd.
Hildegard von Bingen schrieb im zwölften Jahrhundert, dass Musik der Klang des erinnerten Paradieses sei. Achthundert Jahre und ein Ozean stilistischer Veränderung später scheinen Alexandre und Vincent zuzustimmen. Sie entkleiden diese Arien nicht, um sie zu vermindern, sondern um herauszufinden, was darunter liegt. Was darunter liegt, stellt sich heraus, ist immer noch lebendig. Mehr darüber, wie Musik als Brücke zwischen dem Materiellen und dem Göttlichen diente, in Hildegard von Bingen: Die Seherin vom Rhein, die das lebendige Licht sah.
